La Escuela de Verano UANL 2024 de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) ya tiene programa definido.
A través de la Secretaría de Cultura UANL, anunció la realización de la Escuela de Verano UANL 2024, que se realizará del 8 al 21 de julio del presente año.
La UANL publicó el programa que comprenderá diplomados, proyecciones cinematográficas, espectáculos, exposiciones y talleres en diversas disciplinas.
En dos semanas se realizarán más de 30 actividades en diversas disciplinas, como el teatro, la danza, la música, el cine o la literatura.
El programa completo se encuentra publicado en el sitio de Cultura UANL; cabe mencionar que algunos de los talleres comprenden un costo de recuperación, mismo que se encuentra explicado en el programa de la Escuela de Verano UANL 2024.
Entre las actividades se encuentra la mesa redonda El legado de París, a propósito de los Juegos Olímpicos en París.
También se presentará el ciclo de cine “Crime y castigo”, donde se expondrán una serie películas, como la producción japonesa Monstruo, del director Hirokazu Koreeda.
Escuela de Verano UANL 2024
Otras de las actividades dentro la Escuela de Verano UANL 2024 serán la conferencia magistral “Transdimensional: Nuevas escrituras poéticas”, a cargo de la poeta Rocío Cerón.
Cerón ( https://www.instagram.com/laobservante/ ) ha sido galardonada con el Premio Nacional de Literatura Gilberto Owen 2000 en poesía (México) y el Premio See America Travel Award 2005 (Estados Unidos). Desde 2010 forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México (SNCA).
El cierre de la Escuela de Verano UANL 2024 contará con la puesta en escena La verdad sospechosa, de Juan Ruiz de Alarcón, una obra de teatro bajo la dirección deLuis Martín.
El Museo de Historia Mexicana (3 Museos) presentará la conferencia “Identidad-es mexicanxs: 85 años de personajes LGBTQ+ en el Cine Mexicano”, a cargo de Maximiliano Maza, experto en estudios de género y cine.
“Los personajes LGBTQ+ han ganado cada vez más presencia en el cine mexicano. En una sociedad marcada por un discurso identitario nacionalista y asociado al machismo, estos personajes rompen con los modelos convencionales de masculinidad y feminidad, ofreciendo nuevas perspectivas sobre la diversidad y la inclusión en México”, comenta el Maza, doctor en Estudios Humanísticos por el Tecnológico de Monterrey.
Maza aborda más de ocho décadas del cine mexicano, en donde desctaca las películas y personajes icónicos para la cultura LGBTQ+.
Ahí, el especialista señala que los personas de la comunidad LGBTQ+ que aparecen en el cine mexicano, lo hacen en tres momentos que coinciden con las etapas históricas de la cinematografía mexicana: la época de oro, los años setenta y en el siglo XXI.
Aparición en el cine
La sexualidad orientada hacia personas del mismo sexo hizo su aparición en el cine de la década de 1970, siempre asociada con conductas patológicas e, incluso, criminales. Habría que recordar que fue en 1973 cuando la Asociación Estadounidense de Psicología (APA, por sus siglas en inglés) retiró la homosexualidad de su manual de trastornos mentales y que la Asamblea General de la Organización Mundial de la Salud hizo lo propio en 1990.
No es sino hasta el siglo XXI cuando el cine mexicano registra una mayor diversidad de personajes LGBTQ+, entre los que destacan los jóvenes gays y las personas transgénero, señala Maximiliano Maza.
Época de oro, la oposición a la norma
En la época de oro, los personajes de la diversidad sexual y de género eran presentados a través de rasgos claramente definidos como opuestos a la norma. En el caso de los hombres, sus comportamientos eran amanerados, sus voces agudas y su vestimenta muy diferente a la tradicional. Con frecuencia eran representados como extranjeros, particularmente europeos y más específicamente franceses.
“En la cultura mexicana, el nacionalismo está fuertemente relacionado con el machismo y su estricta codificación de las expresiones de género, por lo que, si un hombre se sale de ella, automáticamente deja de ser considerado como hombre”, señala Maza.
Añade Maximiliano Maza que el travestismo ha sido un recurso sumamente utilizado en el cine, ya sea como recurso cómico o dramático, para hacer que los personajes se permitan comportamientos y expresen sentimientos que solo se permiten revelar al vestirse con ropa del sexo opuesto.
Lo anterior es visible en películas como “La tía de las muchachas” (1938), “Me ha besado un hombre” (1944), “La monja alférez” (1944), “Fíjate qué suave” (1948), “Doña Mariquita de mi corazón” (1953) o “Pablo y Carolina” (1957), películas que relatan las aventuras o tribulaciones de personajes que, por diferentes razones, recurren al travestismo para engañar a los demás y, de paso, experimentar un poco con el cambio de su identidad.
“En 1978, La Manuela, personaje interpretado por Roberto Cobo en la película El lugar sin límites, protagonizó junto con Pancho, interpretado por Gonzalo Vega, el primer beso entre dos hombres en el cine mexicano”.
“El impacto social y cultural de esta escena fue tan grande que eclipsó al que, en sentido estricto, fue el primer beso homosexual del cine mexicano: el que compartieron las actrices Alma Delia Fuentes y Jacqueline Andere en Las bestias jóvenes (1970). La Manuela es, también, el primer personaje LGBTQ+ del cine mexicano que muere víctima de un crimen de odio”, comenta el investigador.
Fernando Aramburu es un escritor español nacido en San Sebastián en 1959. Su obra se caracteriza por su profunda exploración de la memoria histórica, el conflicto vasco y las consecuencias de la violencia en la sociedad vasca. Es autor de la serie: Gentes Vascas.
Obras más reconocidas
Entre sus obras más reconocidas se encuentran:
Patria (2016): Esta novela narra la historia de dos familias vascas, una víctima y otra victimaria de ETA, y cómo sus vidas se entrelazan a lo largo de los años de violencia. Ha sido un gran éxito de crítica y público, ganando numerosos premios, incluyendo el Premio Francisco Umbral y el Premio Prix Formentor. Ha sido traducida a más de 20 idiomas y adaptada a una serie de televisión por HBO España.
Los peces de la amargura (2007): Este libro de relatos explora las diferentes formas en que la violencia de ETA ha impactado la vida de las personas en el País Vasco. Ha sido reconocido por su honestidad y crudeza, y ha sido traducido a varios idiomas.
Ávidas pretensiones (2014): Esta novela satírica critica la corrupción y la falta de ética en la sociedad española. Es una obra mordaz y divertida que ha generado un gran debate en España.
H2: Temas recurrentes
Los temas recurrentes en la obra de Aramburu incluyen:
La violencia: Aramburu ha explorado la violencia de ETA desde diferentes perspectivas, mostrando su impacto en las víctimas, los victimarios y la sociedad en general.
La memoria: La memoria histórica es otro tema central en la obra de Aramburu. Sus novelas exploran cómo el pasado sigue presente en el presente y cómo la memoria puede ser utilizada para construir un futuro mejor.
La identidad: Aramburu también ha escrito sobre la identidad vasca, explorando las diferentes formas en que se define y las tensiones que existen entre la identidad vasca y la española.
Reconocimiento y premios
Aramburu ha recibido numerosos premios por su obra, incluyendo el Premio Euskadi de Literatura, el Premio Nacional de Narrativa y el Premio Francisco Umbral. Sus novelas han sido traducidas a más de 20 idiomas y han sido adaptadas a varias películas y series de televisión.
Fernando Aramburu es uno de los escritores más importantes de la literatura española actual. Su obra es una lectura esencial para cualquier persona que quiera comprender el conflicto vasco y sus consecuencias.
Maestros del Fuego. En el vasto y diverso universo del arte, pocas disciplinas destacan tanto por su complejidad técnica y su capacidad para transformar el metal en obras de arte únicas. Desde tiempos inmemoriales, el dominio del fuego y las técnicas metalúrgicas han sido un legado transmitido de generación en generación, moldeando tanto objetos cotidianos como creaciones artísticas que perduran en la memoria colectiva.
Recientemente, se ha puesto de relieve la obra de talentosos artesanos cuya destreza en el manejo del metal trasciende lo común.
En la exposición “Maestros del Fuego” se destaca la habilidad técnica y su creatividad ilimitada que han dado vida a piezas singulares que deslumbran por su belleza y sofisticación.
Una de las características más impresionantes de estas obras es la meticulosidad con la que cada detalle es trabajado. Desde la fusión inicial del metal hasta el meticuloso proceso de moldeado y acabado, cada paso requiere no solo conocimientos profundos, sino también una sensibilidad artística que transforma lo ordinario en extraordinario. Cada pieza no es solo un producto del trabajo manual, sino una expresión de la visión y la pasión del artista.
Estos maestros no solo dominan las técnicas tradicionales, sino que también exploran nuevas formas de expresión y experimentación con el material. Algunos combinan el metal con otros elementos para crear composiciones innovadoras, mientras que otros se centran en preservar y revitalizar técnicas antiguas que de otro modo podrían perderse en el tiempo.
Maestros del Fuego ¿Dónde y cuándo?
La Exposición Maestros del Fuego se expondrá en la Galería Principal de la Escuela de Artesanía del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), se compone de 28 piezas elaboradas con diferentes técnicas en metal por parte de los estudiantes de esta institución. Que incluyen rostros, cráneos, mesas, macetas, candelabros, entre otras formas.
Maestros del Fuego está abierta al público de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 18:00 h, hasta el 28 de junio, en la Escuela de Artesanías, ubicada en calle Xocongo Núm. 38, colonia Tránsito en la Ciudad de México.
Maestros del fuego, maestros de la creatividad
Además de la habilidad técnica, la creatividad juega un papel fundamental en el trabajo de estos artistas. Cada obra no solo refleja una destreza técnica excepcional, sino también una narrativa visual que invita al espectador a explorar y descubrir capas de significado en cada detalle cuidadosamente diseñado.
Este enfoque en la maestría técnica y la creatividad se refleja no solo en el ámbito local, sino también en la proyección internacional de estos artistas. Sus obras han sido reconocidas y admiradas en diversos escenarios globales, contribuyendo así a enriquecer el patrimonio cultural y artístico no solo de México, sino del mundo entero.
En conclusión, el arte del metal no es solo una manifestación de habilidad técnica, sino un campo fértil donde la imaginación y la destreza se encuentran para crear piezas que trascienden el tiempo y el espacio. Los “Maestros del Fuego” son testimonio vivo de cómo el arte puede capturar la esencia de una cultura y transformarla en algo perdurable y universalmente apreciado.
H&M está dando de qué hablar por una nueva línea de ropa en la que, de nuevo, recurre a artistas de renombre.
En el mundo del arte y la moda, las colaboraciones entre marcas y artistas son cada vez más comunes. Estas alianzas permiten acercar el arte a un público más amplio y democratizar el acceso a la cultura. Un ejemplo reciente de este tipo de colaboraciones es la que ha unido a la marca H&M con el patrimonio de Jean-Michel Basquiat y la marca de ropa Who Decides War.
La colaboración entre H&M, el patrimonio de Basquiat y Who Decides War es más que una simple colección de ropa. Es una declaración de compromiso con la diversidad, la inclusión y la celebración del arte negro. La colección también sirve como un recordatorio de la importancia de preservar y difundir el legado de artistas como Basquiat.
H&M x Basquiat
La colección H&M x Basquiat estará disponible en tiendas selectas de H&M a partir del 18 de julio de 2024. Se espera que la colección sea un éxito entre los fanáticos de la moda, el arte y la cultura urbana.
La colección H&M x Basquiat es una iniciativa que merece ser aplaudida. Es una muestra del poder del arte para unir culturas y celebrar la diversidad. La colección también es un recordatorio de la importancia de apoyar a los artistas negros y su trabajo.
Tras reunirse con la Directora del Centro INAH Nuevo León, Martha Ávalos Salazar, los integrantes de la Sociedad de Urbanismo, a través de su presidenta, Carlota Vargas, se mostraron a favor de trabajar en iniciativas de ley ante el Congreso de Nuevo León, propuestas y apoyo jurídico y técnico, para salvaguardar los centros históricos que existen en la entidad, como el caso del Barrio Antiguo, entre otros.
“Algunos integrantes de la Sociedad de Urbanismo vemos con preocupación el deterioro y la pérdida de algunos inmuebles con valor histórico, por ello en los próximos días estaremos sosteniendo reuniones de trabajo para analizar las formas en que la SURMAC pueda coadyuvar en la protección de los diversos Centros Históricos que tenemos en Nuevo León”, aseguró Carlota Vargas.
La Sociedad de Urbanistas de Monterrey reveló que en conjunto trabajarán una propuestas de ley que presentarán ante el Congreso de Nuevo León.
“En la SURMAC participan activamente abogados, economistas, arquitectos, ingenieros y especialistas en diversos temas, buscaremos hacer un grupo de trabajo para analizar las propuestas del INAH, y ayudar en la construcción de una propuesta de iniciativa al Congreso del Estado para que el marco legal sea más efectivo, porque somos una Asociación apartidista, multidisciplinaria con el objetivo de presentar las propuestas correctas con respaldo técnico”, añadió la presidenta de la SURMAC.
Ávalos Salazar, participó en la Asamblea Ordinaria 255 de la SURMAC, en donde habló sobre la “Trayectoria y las Perspectivas de Trabajo del Centro INAH Nuevo León a 40 años de su constitución”, tocando temas como la conservación del Barrio Antiguo y la regeneración del Museo Metropolitano de Monterrey.
Tras el diálogo Carlota Vargas habló sobre la necesidad de una colaboración conjunta, en pro de la protección del patrimonio histórico-cultural de la capital del Estado y de Nuevo León en general, para lo cual la SURMAC se dijo dispuesta a trabajar con el INAH y buscar integrar grupos de trabajo en los próximos días.
A pesar de las controversias, “Putin” ha capturado la atención de críticos y audiencias, planteando preguntas importantes sobre el futuro del cine biográfico y el papel de la IA en la narrativa histórica.
En el Festival de Cannes, la biopic “Putin”, creada mediante Inteligencia Artificial, ha revolucionado la industria cinematográfica.
Esta producción innovadora ofrece una representación detallada y realista de la vida del presidente ruso Vladimir Putin, utilizando IA para recrear su apariencia, voz y comportamiento. Basada en un vasto archivo de videos y documentos, la película combina hechos históricos con dramatización especulativa, generando tanto admiración por su creatividad tecnológica como debate ético sobre su precisión y los derechos de imagen.
El Festival de Cannes presentó los máximos honores a Studios Ghibli al entregarle la Palma de Oro honorífica, un reconocimiento que se entrega por primera vez en la historia del Festival. Esto porque se entrega a un estudio y no a una persona.
Iris Knobloch, la presidenta de Cannes, y Thierry Fremaux, el delegado general, declararon: “Por primera vez en nuestra historia, no es una persona sino una institución lo que hemos decidido celebrar”.
“Como todos los iconos del séptimo arte, estos personajes pueblan nuestra imaginación con universos prolíficos y coloridos y narraciones sensibles y atractivas. Con Ghibli, la animación japonesa se erige en una de las grandes aventuras de la cinefilia, entre tradición y modernidad”.
Los Ángeles, conocida por su vibrante cultura y su espíritu artístico, ha sido escenario de una nueva intervención urbana que ha transformado una torre en un lienzo gigante. Artistas callejeros de todo el mundo se han reunido para dejar su huella en la fachada del edificio Oceanwide Plaza, ubicado en el corazón del centro de la ciudad.
Esta iniciativa, denominada “Oceanwide Plaza Mural Project”, ha convertido a la torre en una obra de arte en constante evolución. Los artistas han utilizado diversas técnicas, desde el graffiti hasta el esténcil y la pintura mural, para crear un mosaico vibrante y colorido que refleja la diversidad y la energía de Los Ángeles.
Entre los artistas participantes se encuentran algunos de los nombres más reconocidos del panorama del arte urbano internacional. Shepard Fairey, Banksy, Keith Haring y Retna son solo algunos de los creadores que han contribuido con sus obras a este proyecto único.
La iniciativa ha sido recibida con entusiasmo por los residentes de Los Ángeles, quienes han convertido la torre en un nuevo punto de referencia turístico. Las redes sociales se han llenado de fotos y videos del mural, lo que ha contribuido a difundir el proyecto a nivel global.
Más allá de su valor estético, el “Oceanwide Plaza Mural Project” tiene un profundo significado social. El arte urbano es una forma de expresión poderosa que permite a los artistas comunicar sus ideas y desafiar las estructuras de poder. En este caso, el mural sirve como un recordatorio de la importancia de la creatividad y la libertad de expresión en una sociedad cada vez más homogénea.
El proyecto también ha generado un debate sobre el papel del arte urbano en el espacio público. Algunos críticos argumentan que el mural es una forma de vandalismo que daña la estética de la ciudad. Sin embargo, los defensores del proyecto sostienen que el arte urbano puede ser una herramienta poderosa para revitalizar espacios urbanos y crear un sentido de comunidad.
Independientemente de las opiniones divergentes, el “Oceanwide Plaza Mural Project” es un hecho indiscutible que ha transformado el paisaje urbano de Los Ángeles. El mural es un símbolo de la creatividad, la diversidad y la libertad de expresión, y un recordatorio de que el arte tiene el poder de cambiar el mundo.
La Mona Lisa, el icónico retrato de Leonardo da Vinci, ha sido objeto de fascinación y debate durante siglos. Ahora, una nueva investigación afirma haber identificado el lugar exacto que inspiró la famosa pintura.
La geóloga italiana Silvana Vinceti ha presentado un estudio que sugiere que el paisaje de fondo de la Mona Lisa corresponde a la Val d’Elsa, una región montañosa de la Toscana. Vinceti basó su análisis en la comparación de elementos geológicos de la pintura con fotografías y mapas de la zona.
“La Mona Lisa no es solo un retrato, es una ventana a un paisaje real”, afirma Vinceti. “Mi investigación demuestra que Leonardo da Vinci eligió cuidadosamente este lugar por su belleza y significado simbólico.”
La teoría de Vinceti ha sido recibida con entusiasmo por algunos expertos en arte, quienes la consideran un avance significativo en la comprensión de la Mona Lisa. Sin embargo, otros han expresado cautela, señalando que se necesitan más pruebas para confirmar sus hallazgos.
Más allá de su valor científico, el descubrimiento de Vinceti ha despertado la imaginación del público. La idea de que la Mona Lisa esté conectada a un lugar real específico añade una nueva dimensión a la obra maestra de Leonardo da Vinci.
¿Qué significa este descubrimiento para el futuro de la Mona Lisa? Es posible que inspire nuevas investigaciones sobre la vida y obra de Leonardo da Vinci. También podría conducir a una mayor appreciation del paisaje de la Val d’Elsa, que ahora está inextricablemente vinculado a la Mona Lisa.
Independientemente de las implicaciones a largo plazo, el descubrimiento de Vinceti es un recordatorio del poder perdurable del arte para inspirar y conectar con las personas. La Mona Lisa sigue siendo una obra maestra enigmática, y este nuevo descubrimiento solo añade a su misterio y fascinación.
La Milarca tenía prevista la apertura para el pasado 18 de mayo, incluso, se vendieron boletos al público; sin embargo, esto no sucedió.
¿Qué pasa con la apertura de la Milarca?
La apertura programada para el pasado domingo no ocurrió debido a un problema administrativo que se dio a conocer el viernes 16 de mayo, esto por la supuesta falta de una papelería del Patronato de Museos de San Pedro, lo que habría retrasado la inauguración.
“Esta decisión se deriva de un retraso en el proceso jurídico-administrativo relacionado con la entrega del museo por parte del municipio de San Pedro Garza García, que a la fecha de hoy, no nos permite solventar las necesidades operativas y de servicios en el plazo establecido”, explicó la Secretaría de Cultura del estado.
Incluso, la dependencia estatal informó que para aquellas personas que ya habían adquirido su boleto de entrada a La Milarca, el dinero les sería devuelto y que una vez que se abriera el acceso al público del museo, estas entrarían de forma gratuita.
La Milarca, ordena Samuel García su reapertura
Mientras que el domingo, el gobernador Samuel García, declaró que dio la orden a la Secretaría de Cultura del Estado, dirigida por Melissa Segura, que este lunes 20 de mayo el Museo de La Milarca abriera sus puertas al público.
El recinto, ubicado dentro del Parque Rufino Tamayo, es una iniciativa del ex alcalde de San Pedro y ahora candidato al mismo puesto, Mauricio Fernández, en donde expone la colección de piezas de arte, otras de valor histórico, así como fósiles de dinosaurio.
En conjunto, suman más de 3 mil 500 objetos los que se exponen en el Museo La Milarca y que han sido obtenidos por Mauricio Fernández y su familia en el transcurso de los años.
