La riqueza cultural de Nuevo León se fusiona con el diseño y la moda en la nueva exposición “Nuevo León y sus montañas”, un homenaje a la maestra Saskia Juárez.
La riqueza cultural de Nuevo León se fusiona con el diseño y la moda en la nueva exposición “Nuevo León y sus montañas”, un homenaje a la maestra Saskia Juárez, reconocida por su habilidad para plasmar la majestuosidad de los paisajes de la región en sus pinturas. Este evento destaca la conexión entre la naturaleza, el arte y la moda, ofreciendo una experiencia visual y estética única.
Una colección que transforma arte en moda
El evento, que se llevará a cabo en la Pinacoteca de Nuevo León, marca el lanzamiento del catálogo de esta exposición especial. La diseñadora Verónica Solís, conocida por su enfoque innovador en la moda, presenta una colección exclusiva que interpreta la obra de Saskia Juárez. Con 25 prendas únicas inspiradas en los paisajes pintados por la maestra y 12 pinturas originales, esta colaboración refleja el diálogo entre dos disciplinas artísticas que convergen en una celebración de la creatividad y el legado de Nuevo León.
Saskia Juárez: el alma del homenaje
Saskia Juárez es una figura emblemática en el ámbito artístico de Nuevo León. Su obra captura con precisión y emotividad la esencia de las montañas, las texturas y la luz de la región. Este homenaje no solo reconoce su trayectoria, sino que también pone en valor el impacto de su obra como fuente de inspiración para otros artistas y diseñadores.
Moda y arte: un lenguaje compartido
La exposición “Nuevo León y sus montañas” destaca la sinergia entre el arte plástico y la moda. Verónica Solís transforma los trazos de Juárez en piezas de alta costura, dotándolas de vida y movimiento. Estas prendas no solo son un tributo al trabajo de la pintora, sino que también representan un diálogo entre la naturaleza y el diseño contemporáneo.
Ubicada en el corazón cultural de Monterrey, la Pinacoteca de Nuevo León se convierte en el espacio ideal para esta muestra. Este recinto ha sido testigo de innumerables exposiciones que celebran el talento local e internacional, y ahora se suma a este proyecto que busca resaltar la identidad artística del estado.
Un evento que no te puedes perder
“Nuevo León y sus montañas” promete ser un punto de encuentro para los amantes del arte y la moda. Es una oportunidad para reflexionar sobre la influencia de la naturaleza en la creación artística y la capacidad de la moda para contar historias a través de telas y diseños.
Visítalo en la Pinacoteca de Nuevo León y sé testigo de cómo dos mundos creativos convergen en un homenaje inolvidable a Saskia Juárez.
Para más información sobre horarios y actividades culturales en la región, consulta el sitio oficial de la Pinacoteca de Nuevo León o las redes sociales de Cultura Nuevo León.
MARCO presenta Contracultura, una exposición que reúne obras recientes de los artistas Tania Candiani, Zhivago Duncan y Omar Gámez.
Contracultura es la nueva exposición presentada por el Museo de Arte Contemporáneo en Monterrey; te presentamos los detalles en Panóptico.
Monterrey, NL.- MARCO presenta Contracultura, una exposición que reúne obras recientes de los artistas Tania Candiani, Zhivago Duncan y Omar Gámez.
La exhibición incorpora nuevas formas de resistencia a través del arte, en las que los artistas cuestionan las convenciones relacionadas con la identidad, el cuerpo, el género y la naturaleza, bajo la curaduría de Taiyana Pimentel, directora general de MARCO.
El término Contracultura se inscribe en una tradición de subversión de los cánones establecidos.
Es similar a las corrientes contraculturales de los años 60 y 70, que impulsaron una revisión radical de la política, la identidad y el arte.
CONTRACULTURA: ARTISTAS
La artista Tania Candiani recurre al bordado sobre tela como una forma de plasmar la figura de mujeres y elementos clave de las manifestaciones feministas, enfocándose en la persona, la herramienta y la acción.
Cortesía MARCO. Tania Candiani.
El fotógrafo Omar Gámez presenta su serie Floresen la que retrata a amigos cercanos utilizando arreglos florales. Explora también los conceptos de identidad, cuerpo y género.
Cortesía MARCO. Omar Gámez.
El artista estadounidense Zhivago Duncan reflexiona sobre la relación contestataria entre el orden y el caos, recuperando una estética que él mismo define como romanticismo primitivo.
Cortesía MARCO.
Visítala de martes y domingos de 10:00 a 18:00 horas; Miércoles de 10:00 a 20:00 horas
La entrada general es de 90 pesos, mientras que para los maestros, estudiantes con credencial y adultos mayores hasta 64 años con credencial INAPAM y niños de 5 a 15 años, 60 pesos
ENTRADA LIBRE A MUSEO MARCO LOS MIÉRCOLES Y DOMINGOS.
El surrealismo, nacido oficialmente con la publicación del Manifiesto Surrealista de André Breton en 1924, marcó un cambio radical en las artes y la literatura.
El surrealismo será abordado el próximo 21 de noviembre a las 19:00 horas en el Museo de Arte de Querétaro (MAQRO), durante una fascinante conferencia impartida por el reconocido filósofo y crítico de arte Jorge Juanes. Este evento, con entrada libre, conmemora los cien años del manifiesto surrealista, una de las corrientes artísticas más revolucionarias del siglo XX.
¿Qué es el surrealismo?
El surrealismo, nacido oficialmente con la publicación del Manifiesto Surrealista de André Breton en 1924, marcó un cambio radical en las artes y la literatura. Inspirado por las teorías freudianas sobre el subconsciente, este movimiento buscaba liberar el pensamiento de las restricciones de la lógica y explorar los sueños y los deseos más profundos del ser humano.
Artistas como Salvador Dalí, René Magritte y Leonora Carrington se destacaron en este género, utilizando imágenes oníricas, yuxtaposiciones inesperadas y simbolismo para desafiar la percepción convencional de la realidad.
Sobre el conferencista
Jorge Juanes es una figura destacada en el ámbito de la crítica de arte y la filosofía. Como investigador de tiempo completo del Instituto de Ciencias Sociales y Humanidades de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), su enfoque en arte y cultura lo posiciona como un referente en el estudio de movimientos artísticos como el surrealismo. Sus análisis profundos y su conocimiento histórico aportarán una perspectiva única y enriquecedora para los asistentes.
México se convirtió en un refugio y un semillero para artistas surrealistas, como la mencionada Leonora Carrington y Remedios Varo, quienes encontraron en el país una fuente inagotable de inspiración. La riqueza cultural y las tradiciones místicas mexicanas se entrelazaron con el surrealismo, dejando un legado que aún resuena en las artes contemporáneas.
La conferencia no solo ofrece la oportunidad de conocer en profundidad los principios y el impacto del surrealismo, sino también de reflexionar sobre su influencia en el arte contemporáneo. Además, la experiencia y el conocimiento de Jorge Juanes garantizan una visión crítica y accesible de este fascinante movimiento.
Una muestra que explora la interacción entre la tecnología y el arte. Con obras que incorporan inteligencia artificial, la exposición reflexiona sobre cómo la tecnología redefine la creatividad y la expresión humana en el arte contemporáneo.
Desde hoy y hasta el 1 de diciembre, elCentro Cultural Manuel L. Barragán, en el municipio de San Nicolás de los Garza, abre sus puertas a dos exposiciones únicas para todos los amantes del arte.
Frida en mis pinceladas
Esta exposición rinde homenaje a Frida Kahlo, destacando su legado artístico con interpretaciones inspiradas en su estilo y espíritu. Con obras que celebran su icónico estilo y su impactante simbolismo, esta exhibición promete una profunda inmersión en la vida y obra de Kahlo.
La inteligencia artificial contra la expresión humana dentro de las artes
Una muestra que explora la interacción entre la tecnología y el arte. Con obras que incorporan inteligencia artificial, la exposición reflexiona sobre cómo la tecnología redefine la creatividad y la expresión humana en el arte contemporáneo.
¡No te pierdas estas dos fascinantes exposiciones!
Basquiat, su vida, su obra y su legado. ¿Quién era realmente este mítico artista de Nueva York que murió trágicamente a los 27 años?
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) fue un pintor estadounidense cuyo trabajo revolucionó el arte contemporáneo con un estilo crudo y provocador, fusionando elementos del grafiti, la cultura afroamericana y temas sociales como la opresión, el racismo y la identidad. Originario de Brooklyn, Nueva York, Basquiat fue una figura clave en el movimiento neoexpresionista de los años 80, y su obra sigue siendo un referente tanto artístico como cultural.
Primeros Años y Ascenso a la Fama
Basquiat comenzó su carrera en las calles de Nueva York bajo el seudónimo SAMO, creando grafitis llenos de mensajes irónicos y sociales. En 1981, fue descubierto en una exposición y, gracias al apoyo de artistas como Andy Warhol, alcanzó gran popularidad en la escena artística. Este ascenso coincidió con el auge del arte urbano y del neoexpresionismo, movimientos en los que Basquiat se consolidó como una voz única y poderosa. Puedes conocer más sobre su vida y obra en MoMA.
Basquiat, la Temática y Estilo de Su Obra
El estilo de Basquiat se caracteriza por el uso de colores intensos, figuras primitivas, frases y palabras que simbolizan la protesta social. Sus temas recurrentes incluyen la crítica al racismo, el colonialismo y la violencia, con representaciones crudas de figuras negras y héroes culturales. Obras como “Irony of Negro Policeman“ y“Horn Players” destacan por su mezcla de símbolos, anatomía y crítica, a menudo influenciadas por su identidad afrocaribeña y sus lecturas sobre historia y cultura.
Su Importancia en el Arte Contemporáneo
La obra de Basquiat abrió puertas a la inclusión de la cultura urbana y la diversidad en el arte contemporáneo, introduciendo temas de justicia social que siguen siendo relevantes hoy en día. Es considerado un pionero en la exploración de la identidad negra dentro del arte, y su influencia se extiende desde galerías hasta la moda y la música. Basquiat sigue siendo una referencia en el mercado del arte; en 2017, su obra “Untitled” se vendió por más de 100 millones de dólares, posicionándolo como uno de los artistas estadounidenses más valiosos.
Basquiat y su Legado Cultural
A pesar de su trágica muerte a los 27 años, Basquiat dejó un legado cultural profundo. Inspiró a generaciones de artistas y activistas, quienes ven en su obra un símbolo de resistencia y autenticidad. Su estilo e ideología han influenciado a músicos, diseñadores y cineastas que encuentran en su trabajo una representación visual de las luchas sociales.
Una de las exposiciones más destacadas de Ai-Da se llevó a cabo en la prestigiosa casa de subastas Sotheby’s, donde sus obras fueron presentadas junto a una instalación inspirada en la vida y obra del matemático Alan Turing.
La Inteligencia Artificial ya influye en el arte, la casa de subastas Sotheby’s acaba de vender la primera obra realizada por esta tecnología, en un precio estimado de 180 mil dólares.
En la última década, la tecnología ha influido profundamente en el arte, y el surgimiento de herramientas como la inteligencia artificial (IA) ha permitido una evolución sin precedentes en la creación artística. Uno de los casos más intrigantes y comentados es el de Ai-Da, un robot humanoide desarrollado para producir obras de arte mediante algoritmos de IA. Presentada en 2019, Ai-Da ha generado un debate internacional sobre el papel de la tecnología en la creatividad y sobre la misma naturaleza del arte.
Estas cámaras le permiten “ver” el mundo, mientras que sus algoritmos procesan la información visual para transformar lo que observa en imágenes y formas abstractas. Con el tiempo, Ai-Da ha ido evolucionando, y su capacidad para crear se ha vuelto más compleja, dando lugar a piezas que algunos consideran arte genuino.
Venden obra creada por Inteligencia Artificial en 180 mil dólares.
La exposición de Ai-Da en Sotheby’s
Una de las exposiciones más destacadas de Ai-Da se llevó a cabo en la prestigiosa casa de subastas Sotheby’s, donde sus obras fueron presentadas junto a una instalación inspirada en la vida y obra del matemático Alan Turing.
Turing, conocido como el padre de la computación moderna, sentó las bases para la inteligencia artificial que hoy hace posible la existencia de creadores como Ai-Da. En esta exposición, las obras de Ai-Da se plantearon no solo como expresiones artísticas, sino como una exploración de los límites de la creatividad humana y el papel de la máquina en el arte.
¿Es Ai-Da una artista?
Uno de los aspectos más debatidos sobre Ai-Da es si puede ser considerada una artista en el sentido tradicional de la palabra. Por un lado, sus creadores argumentan que Ai-Da sigue un proceso creativo autónomo al producir sus obras, ya que no se trata de una simple herramienta sino de un sistema complejo que toma decisiones sobre el color, la forma y el estilo de sus piezas. Sin embargo, críticos del mundo del arte sugieren que, al ser una creación programada, Ai-Da carece de la intencionalidad y subjetividad humana que, según ellos, define al verdadero arte.
La discusión toca un punto crucial: si el arte requiere una experiencia subjetiva para ser considerado como tal, ¿puede una máquina producir arte? Si bien Ai-Da no tiene emociones o experiencias personales, sus creadores señalan que la máquina está diseñada para evocar en el espectador una reflexión sobre la tecnología y la creatividad, lo que podría dar valor a sus obras en el ámbito cultural y filosófico.
GENEVA, SWITZERLAND – JULY 07: Aidan Meller presents Ai-Da Robot, the first AI powered Robot Artist during the UN Global Summit on AI for Good, where they are giving the keynote speech, on July 07, 2023 in Geneva, Switzerland. (Photo by Johannes Simon/Getty Images for Aidan Meller)AI robot Ai-Da prior to giving evidence to a House of Lords inquiry where she will answer questions concerning tech and creativity.
The House of Lords, Palace of Westminster, London, Great Britain
11th October 2022
Ai-Da Robot makes history as the first robot to speak at the House of Lords as part of their ‘A Creative Future inquiry’ examining potential challenges for the creative industries and looking at how they can adapt as tech advances.
Able to converse using a specially designed language model, she appears alongside creator Aidan Meller in front of members of the House of Lords communications and digital committee.
Photograph by Elliott Franks07/06/2023. London, United Kingdom. Lucy Frazer, Secretary of State for Culture, Media and Sport attends the London Design Biennale Reception in 10 Downing Street. Picture by Brandon Hattiloney / No 10 Downing Street
Implicaciones para el futuro del arte de la Inteligencia Artificial
La incursión de la IA en el arte abre nuevas posibilidades y también genera incertidumbre sobre el futuro de los artistas humanos. Algunos ven en la inteligencia artificial una herramienta poderosa para expandir los límites de la creatividad humana, mientras que otros temen que esta tecnología pueda reemplazar el trabajo artístico tradicional.
Ai-Da y otros proyectos de arte generado por IA plantean preguntas sobre la autoría, el valor de la obra y el papel de la creatividad en la era de la inteligencia artificial.
Como explicó uno de los ingenieros detrás de Ai-Da, la intención es más que crear arte: es también invitar al público a reflexionar sobre las interacciones entre humanos y máquinas, y cuestionarse qué define a la creatividad y al arte.
La creación artística de Ai-Da representa un hito en la historia del arte contemporáneo y la tecnología, y su presencia en espacios como Sotheby’s sugiere que la inteligencia artificial está ganando un lugar en el mercado del arte.
Sin embargo, la pregunta de si un robot puede ser considerado un artista sigue abierta. Ai-Da nos recuerda que el arte, en su esencia, es una herramienta para explorar la condición humana, y aunque la tecnología pueda imitar ciertos procesos creativos, la esencia del arte podría estar en su capacidad para reflejar la experiencia humana, algo que, por ahora, sigue siendo exclusivo de los artistas humanos.
En la edición 2024 del Certamen de Cortometraje UANL se recibieron 57 trabajos, mismos que se dividieron en dos categorías, la especial (para los trabajos provenientes de la Facultad de Artes Visuales) y la categoría general. En la primera se inscribieron 23 proyectos y en la segunda 34 metrajes.
La UANL, Universidad Autónoma de Nuevo León, realizó la premiación del Certamen de Cortometrajes UANL 2024 en el que participaron alumnos de las preparatorias y facultades de la institución.
En el que resultaron ganadores alumnos de la Preparatoria 13, del CIDEB, Facultad de Biología, de Filosofía y de Artes Visuales.
En la edición 2024 se recibieron 57 trabajos, mismos que se dividieron en dos categorías, la especial (para los trabajos provenientes de la Facultad de Artes Visuales) y la categoría general. En la primera se inscribieron 23 proyectos y en la segunda 34 metrajes.
Los premios fueron: 25 mil pesos para el primer lugar, 15 mil pesos para el segundo sitio y 10 mil pesos para el tercer lugar, para cada categoría.
UANL realiza ceremonia de entrega de premios
Los premios fueron entregados en una ceremonia que se realizó en el Aula Magna Fray Servando Teresa de Mier, en Colegio Civil.
La ceremonia estuvo dirigida por José Javier Villarreal, secretario de Extensión y Cultura de la UANL, quien estuvo acompañado por Martha Ramos Tristán, directora de Desarrollo Cultural Universitario de la UANL; así como por los jurados la directora y productora Leticia Vargas, el crítico de cine Andrés Bermea y Jesús Torres, coordinador de cine en la Secretaría de Extensión y Cultura.
“La Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), a lo largo de su historia, ha contribuido al desarrollo de la cultura cinematográfica a través de la fundación de cineclubes, impartición de conferencias, el apoyo a festivales y la realización de certámenes de cortometrajes universitarios. Felicito a todos los jóvenes estudiantes que han descubierto su vocación artística y dan sus primeros pasos en el séptimo arte”, apuntó José Javier Villarreal.
El trabajo de Modotti, incluso, ha sido considerado como una especie de documento antropológico y sociológico; sin embargo, el despliegue estético de su obra la mantiene como una de las grandes artistas de la cámara.
Tina Modotti dejó un legado que se divide entre el arte y la documentación, a través de las 300 fotografías que se expondrán en el Centro Italiano de Fotografía de Turín se recorrerá su vida, participación en la política y el activismo.
La exposición está a cargo del curador Riccardo Constantini que a través de esta exposición en el prestigioso espacio conocido como la Cámara de Turín, pretende dar a conocer al público una imagen más amplia de la fotógrafa.
““Demasiado a menudo se ha dado a Tina Modotti, más que otros intelectuales del siglo XX, el cuestionable privilegio de estar más interesado en su vida que en su producción. En la mayoría de los estudios se afirma que es imposible no considerar los datos biográficos a la hora de tratar su diversa obra (fotógrafo, actriz, gráfica, traductora, activista, poeta…). En esta exposición se aborda su arte centrándose en la parte más pura e intensa“, expresó Constantini para el medio Artribune.
Tina Modotti y su recorrido por Europa y México
Tina Modotti nació en Udine, Italia; pero emigró a Estados Unidos, desde donde se trasladó a México; de ahí salió para recorrer Europa y luego volver a México, donde falleció.
Parte de su obra se centra en la captura de fotografías mediante las que expone la realidad mexicana de la época, entre 1920 y 1930. Retrató las comunidades indígenas y su cotidianidad.
Desde entonces, Modotti abordaba la desigualdad a la que se enfrentan estas comunidades dejando un legado que oscila entre el arte y la documentación.
Gran parte de este trabajo es el que Modotti realizó en México, donde recorrió las comunidades rurales y capturó su modus vivendi, la cotidianidad de los pueblos mexicanos avasallados por una nueva revolución industrial.
El trabajo de Modotti, incluso, ha sido considerado como una especie de documento antropológico y sociológico; sin embargo, el despliegue estético de su obra la mantiene como una de las grandes artistas de la cámara.
El neomexicanismo no solo revitalizó el interés en las raíces culturales mexicanas, sino que también influyó en las generaciones posteriores de artistas
Principales exponentes del Neomexicanismo: Una corriente artística clave en la identidad contemporánea de México
El neomexicanismo es una corriente artística surgida en México durante los años 80 y 90, caracterizada por un renovado interés en la iconografía y las tradiciones mexicanas, combinadas con una mirada crítica y contemporánea. Este movimiento ha sido clave para reflexionar sobre la identidad nacional en un contexto globalizado, y ha dado lugar a obras que exploran temas como la política, la religión, el sincretismo cultural y la vida cotidiana en México. Aquí exploramos a los principales exponentes de esta corriente y su influencia en el arte moderno mexicano.
¿Qué es el Neomexicanismo?
Antes de adentrarnos en los artistas, es esencial entender que el neomexicanismo se originó como una respuesta a los cambios sociales y políticos de finales del siglo XX. Los artistas de esta corriente fusionaron elementos de la cultura popular, el arte sacro, la historia precolombina y el nacionalismo posrevolucionario, creando una obra visual que dialoga con las complejidades de la identidad mexicana en la era moderna.
Principales exponentes del Neomexicanismo
1. Nahum B. Zenil
Uno de los máximos exponentes del neomexicanismo, Nahum B. Zenil destaca por su uso de la iconografía religiosa y la representación de su propia imagen en obras que exploran la identidad personal y nacional. Su obra está marcada por un fuerte componente autobiográfico y temas como la homosexualidad, la religión y la mexicanidad. En piezas como La última cena, Zenil combina el simbolismo católico con referencias personales y sociales, creando una profunda reflexión sobre el papel de la religión en la vida cotidiana de México.
2. Arturo Rivera
Arturo Rivera es otro pilar del neomexicanismo, conocido por sus crudas representaciones de la realidad mexicana. Su estilo realista, combinado con temas que van desde la violencia hasta la muerte, le han permitido crear obras impactantes. Rivera integra elementos tradicionales, como la iconografía religiosa y la mitología mexicana, pero con un toque contemporáneo, subrayando la lucha entre la vida y la muerte, un tema recurrente en la cultura mexicana.
3. Julio Galán
El estilo de Julio Galán es uno de los más representativos del neomexicanismo por su riqueza visual y su eclecticismo. Galán mezcla elementos del arte colonial con la estética pop y surrealista. Sus obras tienen un carácter profundamente autobiográfico y abordan temas como la identidad de género, el dolor emocional y la cultura mexicana. Sus pinturas, cargadas de simbolismo, son reconocidas por el uso de colores vibrantes y una narrativa personal que refleja las contradicciones y complejidades de la identidad mexicana contemporánea.
4. Roberto Márquez
Roberto Márquez es un artista destacado por su enfoque en la historia y las tradiciones mexicanas, reinterpretadas a través de un lente moderno. Sus obras combinan influencias del muralismo mexicano y elementos del arte contemporáneo internacional. Márquez se inspira en la cultura popular y los símbolos tradicionales, creando una fusión entre lo antiguo y lo nuevo. A menudo recurre a personajes históricos y mitológicos para hablar de la sociedad actual y los desafíos contemporáneos.
5. Patricia Fornos
Aunque menos conocida que otros artistas del movimiento, Patricia Fornos ha sido clave en el desarrollo del neomexicanismo. Su obra se caracteriza por la representación de mujeres y la exploración de la feminidad dentro de un contexto mexicano. A través de sus obras, Fornos examina los roles de género, las tradiciones y la cultura popular, creando una crítica tanto a la sociedad mexicana como a la globalización.
Neomexicanismo y su influencia en el Arte Contemporáneo
El neomexicanismo no solo revitalizó el interés en las raíces culturales mexicanas, sino que también influyó en las generaciones posteriores de artistas. Este movimiento permitió la revalorización de la iconografía nacional y abrió un diálogo sobre temas contemporáneos como el género, la sexualidad, la religión y la política. A través de sus obras, estos artistas no solo miran al pasado, sino que ofrecen una visión crítica del presente y el futuro de México.
El neomexicanismo es un reflejo de la rica y compleja identidad mexicana. Artistas como Nahum B. Zenil, Julio Galán, Arturo Rivera, Roberto Márquez y Patricia Fornos han dejado una huella imborrable en el arte contemporáneo mexicano, abordando temas que siguen siendo relevantes en la actualidad. Este movimiento ha permitido que México dialogue consigo mismo y con el mundo, reafirmando su identidad mientras cuestiona sus propios mitos y realidades.
Durante la ceremonia de inauguración de esta segunda temporada, Adriana Vega afirmó que con eventos de gran nivel el estado de Querétaro se consolida como un destino de excelencia para el turismo cultural, y agregó que se estima la presencia de más de 20 mil visitantes y una derrama económica superior a los 40 millones de pesos.
“La exposición no solo celebra la creatividad, fuerza y espíritu de Frida Kahlo y del gran Diego Rivera, sino que también refuerza el atractivo de Querétaro como un destino cultural vibrante. Al atraer a visitantes de todo el centro del país, seguimos posicionando a nuestro estado como un referente en la oferta turística y cultural de México” resaltó.
En tanto, el director de la exposición, Bernardo Noval, explicó que la muestra es resultado del trabajo de especialistas del arte, guionistas, escritores, creativos y productores de multimedia, quienes logran plasmar el arte de Frida y Diego en un espacio para profundizar en el legado que ambos artistas han dado a la historia del arte moderno.
Experiencia inmersiva “Yo soy Frida Kahlo” en el plano internacional
Recordó que la Experiencia Inmersiva se presentó con éxito en las ciudades de Londres y Washington, y Querétaro no ha sido la excepción, por lo que se decidió extender su presencia en la entidad.
La Experiencia Inmersiva permitirá conocer más de 300 obras y fotografías representativas de la vida y obra de Frida Kahlo y Diego Rivera, dos de los principales exponentes de la cultura nacional del Siglo XX, que cobrarán movimiento gracias al uso de tecnología, para crear una experiencia sensorial única.
Esta exhibición revive las obras más relevantes de la pareja, a través de proyecciones digitales y sonidos, además de las representaciones físicas del estudio de Diego, la habitación de Frida y una cocina mexicana tradicional.
La experiencia digital, además de exaltar las facetas artística y social de Frida y Diego, tiene el objetivo de promover el aprecio al patrimonio cultural de nuestro país.
Nació en 1907 y su vida estuvo marcada por el dolor físico, debido a un accidente de autobús que sufrió a los 18 años, y sus complejas relaciones emocionales, especialmente con el muralista Diego Rivera.
Kahlo plasmó su sufrimiento, su identidad mestiza y su relación con la naturaleza en obras profundamente personales.
Su estilo, influenciado por el surrealismo, el folclore mexicano y el realismo mágico, convirtió su arte en una exploración de temas como la identidad, el cuerpo y la política.
Entre sus obras más reconocidas están Las dos Fridas y La columna rota. Además, su casa en Coyoacán, ahora convertida en el museo La Casa Azul, sigue siendo un importante sitio cultural y un recordatorio de su legado.
