Pamela Anderson y su legado popular: Museo de Londres exhibirá su traje usado en ‘Baywatch’

La prenda, que será exhibida en la exposición, ha sido cedida por el BikiniARTmuseum y anteriormente perteneció a David Hasselhoff y All-American Television.

El icónico traje de baño rojo que Pamela Anderson lució en la serie de televisión “Baywatch” será una de las piezas destacadas en la próxima exposición del Design Museum de Londres.

La muestra, titulada “¡Splash! A Century of Swimming and Style”, se inaugurará el 28 de marzo de 2025 y estará abierta al público hasta el 17 de agosto del mismo año.

“Baywatch”, conocida en español como “Los vigilantes de la playa”, fue una serie emblemática de los años 90 que alcanzó fama mundial. Pamela Anderson interpretó a C.J. Parker entre 1992 y 1997, y su traje de baño rojo se convirtió en un símbolo cultural de la época.

La prenda, que será exhibida en la exposición, ha sido cedida por el BikiniARTmuseum y anteriormente perteneció a David Hasselhoff y All-American Television.

La exposición ¡Splash!

La exposición “¡Splash! A Century of Swimming and Style” explorará la evolución de la moda de baño y su impacto en la cultura británica a lo largo de los últimos cien años.

Además del traje de Anderson, se exhibirán más de 200 objetos relacionados con la natación, incluyendo la primera medalla de oro olímpica ganada por una mujer británica y un modelo arquitectónico del Centro Acuático de los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

Amber Butchart, comisaria de la exposición, expresó su entusiasmo por presentar esta pieza emblemática, destacando su influencia en la popularidad de los trajes de baño de una sola pieza. La exhibición coincide con un periodo en que Pamela Anderson ha revitalizado su imagen y ha diseñado su propia línea de trajes de baño, lo que añade relevancia contemporánea a la muestra.

Diseño, cultura y sociedad

El Design Museum de Londres es reconocido por sus exposiciones innovadoras que exploran la intersección del diseño con la cultura y la sociedad.

La muestra “¡Splash! A Century of Swimming and Style” ofrecerá a los visitantes una visión profunda de cómo la moda de baño ha reflejado y moldeado las tendencias sociales y culturales a lo largo de un siglo.

Para quienes deseen asistir, se recomienda consultar el sitio web oficial del Design Museum para obtener información sobre horarios, boletos y medidas de seguridad vigentes.

La exhibición promete ser una experiencia enriquecedora para los entusiastas de la moda, la historia y la cultura popular.

Pamela Anderson, icono en la cultura popular

En resumen, el traje de baño rojo de Pamela Anderson en “Baywatch” no solo es una prenda de vestir, sino un ícono que ha dejado una huella indeleble en la cultura popular.

Su exhibición en el Design Museum de Londres brinda una oportunidad única para reflexionar sobre su impacto y la evolución de la moda de baño en el último siglo.

San Pedro Garza García anuncia recorridos históricos por el Casco del municipio

El Municipio de San Pedro anunció que durante el 2025 realizará una serie de recorridos por el Casco histórico de la localidad.

El ayuntamiento detalló que durante estas actividades, se abordarán temas desde la fundación del municipio hasta el presente, promoviendo el conocimiento y valoración del patrimonio local.

Los recorridos se llevarán a cabo en fechas clave, informó Alejandro Rodríguez, regidor y presidente de la Comisión de Cultura y Educación del Cabildo sampetrino.

“Vamos a tener tres fechas en el año 25, primero, del patrimonio, el Día del Patrimonio; San Pedro y San Pablo y 20 de noviembre, día de la Fundación; vamos a convocar también a toda la ciudadanía que nos quiera, caminar junto con nosotros lo que es el casco histórico de nuestro municipio”, detalló Rodríguez.

Regidores recorren Casco de San Pedro

El anuncio se realizó durante un recorrido guiado para regidores, encabezado por el cronista municipal Carlos González y la secretaria de Cultura, Alejandra Álvarez.

La actividad inició con una plática en el Museo El Centenario y concluyó en la Casa de la Memoria Sampetrina.

¿Cuáles son los lugares que se visitarán?

El recorrido por el Casco implica la visita al menos 12 lugares, los cuales son:

  • Museo el Centenario
  • La Plaza Juárez
  • La Parroquia de Nuestra Señora de Guadalupe
  • El antiguo panteón
  • Casa Verástegui
  • Casa Melesia Reyna
  • La antigua cárcel
  • La plaza de toros
  • La Biblioteca Josefina Mata Siller
  • La Caja de Agua en la Plaza Naranjo
  • La Capilla Histórica Santa Bárbara
  • La Casa de la Memoria Sampetrina.

¿Matachines o Matlachines? Una tradición que perdura

La danza de los matachines, o matlachines, es mucho más que un espectáculo visual: es un acto de fe, resistencia cultural y celebración comunitaria.

La danza de los matachines, también conocida como matlachines, es una de las expresiones culturales más antiguas y representativas de México y otros países de América Latina.

Su origen combina influencias prehispánicas y españolas, convirtiéndose en una tradición llena de historia, simbolismo y espiritualidad que ha resistido el paso del tiempo.

Pero, ¿cuál es el término correcto y qué significa esta danza en la actualidad?

Origen y significado

El término “matachines” proviene del árabe matrah, que significa “burla” o “juego”. Esta palabra llegó a América durante la colonización española, donde se fusionó con las tradiciones indígenas de rituales y danzas sagradas.

Por otro lado, el nombre “matlachines” se atribuye a una variante fonética utilizada en regiones del norte de México, especialmente en estados como Nuevo León, Coahuila y Chihuahua.

Independientemente del término usado, la danza de los matachines es un acto de devoción religiosa. Se realiza principalmente en honor a la Virgen de Guadalupe, santos patronos o incluso en festividades locales.

La música, los atuendos coloridos y las coreografías elaboradas son elementos esenciales que dan vida a esta tradición.

La danza: Ritmo y espiritualidad

La danza se caracteriza por movimientos sincronizados que simbolizan la lucha entre el bien y el mal.

Los matachines suelen llevar trajes coloridos adornados con lentejuelas, plumas y cascabeles, así como una corona que representa su compromiso espiritual.

El tambor y el violín son instrumentos típicos que acompañan la danza, marcando un ritmo constante que guía los pasos de los participantes.

En algunas regiones, se incluye el uso del “guaje”, un pequeño instrumento que refuerza la percusión.

Matachines en la actualidad

Hoy en día, la danza de los matachines sigue siendo una tradición viva en México y en comunidades mexicanas en el extranjero.

Durante las festividades del 12 de diciembre, Día de la Virgen de Guadalupe, cientos de grupos se reúnen en iglesias y plazas públicas para rendir homenaje a través de esta danza.

En Nuevo León, los “matlachines” son una parte esencial de las festividades religiosas y culturales.

Aunque su popularidad ha enfrentado desafíos debido a la urbanización y los cambios generacionales, las comunidades han trabajado para preservar este legado mediante la formación de nuevos grupos y la enseñanza de las coreografías y significados a las nuevas generaciones.

¿Matachines o matlachines?

Ambos términos son correctos y válidos, dependiendo de la región y el contexto en el que se utilicen.

Mientras que “matachines” es más común en el centro y sur de México, “matlachines” es predominante en el norte del país. Esta diversidad lingüística refleja la riqueza cultural de esta tradición.

La danza de los matachines, o matlachines, es mucho más que un espectáculo visual: es un acto de fe, resistencia cultural y celebración comunitaria.

En un mundo cada vez más globalizado, estas tradiciones nos recuerdan la importancia de preservar nuestras raíces y transmitirlas a futuras generaciones.

Notre-Dame de París reabre cinco años después del Incendio de 2019

La catedral ha sido un símbolo central de la historia y la cultura francesas durante más de ocho siglos. Desde su construcción en la Edad Media hasta su papel como escenario de eventos históricos clave, Notre-Dame ha sido un reflejo del espíritu resiliente de París.

En abril de 2019, el mundo fue testigo de cómo la icónica catedral de Notre-Dame de París, una obra maestra de la arquitectura gótica construida entre 1163 y 1345, fue consumida por las llamas.

Este monumento, que ya había sufrido daños durante la Revolución Francesa de 1789 y fue restaurado en el siglo XIX bajo la dirección de Eugène Viollet-le-Duc, ha sido completamente renovado tras cinco años de meticulosas labores de reconstrucción.

Patrimonio arquitectónico recuperado

El pasado fin de semana, Notre-Dame reabrió sus puertas al público en una ceremonia que reunió a líderes mundiales y figuras destacadas, marcando un momento de orgullo para París y el mundo.

La restauración no solo devolvió el esplendor arquitectónico de la catedral, sino que también destacó los avances tecnológicos y artísticos empleados para su recuperación.

Un monumento cargado de historia

La catedral ha sido un símbolo central de la historia y la cultura francesas durante más de ocho siglos. Desde su construcción en la Edad Media hasta su papel como escenario de eventos históricos clave, Notre-Dame ha sido un reflejo del espíritu resiliente de París.

El incendio de 2019 fue un recordatorio de su vulnerabilidad, pero también de su capacidad de renacer.
Innovación y Tradición en la Restauración

El proceso de reconstrucción combinó técnicas tradicionales de artesanía con tecnología moderna, incluyendo la recreación de la aguja central diseñada por Viollet-le-Duc, que se convirtió en un emblema de la restauración.

Miles de artesanos, carpinteros y restauradores participaron en el proyecto, utilizando piedra y madera de las mismas características que las originales para garantizar la autenticidad histórica.

Una nueva era para Notre-Dame

Con su reapertura, Notre-Dame vuelve a ser un lugar de culto, turismo y cultura. Los visitantes podrán admirar nuevamente su extraordinario rosetón, las esculturas góticas y el majestuoso interior que ha inspirado a generaciones.

La catedral se perfila como un símbolo renovado de unidad y esperanza para Francia y el mundo.

Impacto Global de la Reapertura

La recuperación de Notre-Dame no solo es una victoria para la cultura y el patrimonio francés, sino también un recordatorio del valor de preservar la historia frente a los desafíos.

Este renacimiento ha captado la atención global y asegura que la catedral continúe siendo un faro de inspiración para futuras generaciones.

Polonia Inaugura Primer Museo de Historia LGBTQ

El museo cuenta con una colección de cerca de 150 objetos, incluyendo cartas, fotografías y materiales de activismo, que documentan la historia LGBTQ en Polonia desde el siglo XVI.

Polonia celebró recientemente la apertura de su primer museo dedicado a la historia LGBTQ, marcando un paso significativo en un país conocido por sus restricciones legales hacia la comunidad queer.

Situado en la calle Marszalkowska de Varsovia, este museo fue fundado por Lambda, una organización sin fines de lucro que trabaja en la defensa de los derechos LGBTQ y que también ha brindado apoyo a refugiados queer en los últimos años.

Un Espacio para Preservar la Memoria LGBTQ

El museo cuenta con una colección de cerca de 150 objetos, incluyendo cartas, fotografías y materiales de activismo, que documentan la historia LGBTQ en Polonia desde el siglo XVI.

Este esfuerzo busca visibilizar una parte fundamental de la historia del país que, hasta ahora, había sido ignorada o suprimida.

Según Krzysztof Kliszczynski, director de Lambda, este es el primer museo de su tipo en Europa postcomunista, un logro importante dado el contexto político y social de Polonia.

Figuras Clave en la Apertura

La ceremonia de inauguración contó con la participación de activistas históricos como Andrzej Selerowicz y Ryszard Kisiel.

Quienes enfrentaron una intensa persecución durante la década de 1980, cuando las autoridades polacas llevaron a cabo campañas de perfilamiento contra hombres homosexuales.

Ambos donaron materiales personales al museo, incluyendo un folleto sobre prácticas de sexo seguro y una fotografía de Selerowicz con su pareja, tomada hace 45 años.

Desafíos para la Preservación de la Historia Queer

Uno de los mayores retos para los organizadores ha sido recuperar y preservar registros LGBTQ, ya que muchos han sido destruidos o mantenidos en secreto debido al estigma social y la falta de reconocimiento legal.

A pesar de este logro, la situación legal para la comunidad LGBTQ en Polonia sigue siendo desfavorable.

Las uniones entre personas del mismo sexo no están reconocidas por la ley, y las políticas gubernamentales han sido señaladas por organizaciones internacionales como discriminatorias.

Un Paso Adelante en un Entorno Hostil

El presidente de Lambda, Miłosz Przepiórkowski, subrayó la importancia del proyecto al destacar que el museo se abre en un país con una de las situaciones legales más restrictivas para las personas LGBTQ en la Unión Europea.

Este espacio no solo busca preservar el pasado, sino también crear conciencia y abrir un diálogo sobre los derechos queer en Polonia.

Impacto y Significado Internacional

El museo no solo representa un hito en la historia de Polonia, sino que también es un símbolo de resistenciapara la comunidad LGBTQ en Europa del Este.

Es un recordatorio del poder de la memoria colectiva en la lucha por la igualdad y la justicia social.

Con esta inauguración, Varsovia se posiciona como un referente para preservar la historia queer y promover una sociedad más inclusiva, a pesar de los desafíos legales y culturales que persisten en la región.

Presentan guía gastronómica de Nuevo León

La Guía Gastronómica de Nuevo León “X Como Comí” es una iniciativa que tiene para posicionar al estado como un referente gastronómico.

El Gobierno de Nuevo León, a través de la Secretaría de Turismo, en colaboración con la plataforma Como Comí, presentó oficialmente la primera Guía Gastronómica de Nuevo León.

Se trata de un proyecto que busca destacar la riqueza culinaria del estado y consolidarlo como un referente estratégico en el turismo gastronómico.

La Guía Gastronómica de Nuevo León “X Como Comí” es una iniciativa estratégica que tiene como objetivo posicionar al estado como un referente gastronómico de primer nivel.

Su distribución en puntos clave como hoteles, destinos turísticos y aeropuertos, permitirá acercar la riqueza culinaria de la región a visitantes nacionales e internacionales.

La cocina, un motor económico

Durante el evento, la secretaria de Turismo, Maricarmen Martínez Villarreal, agradeció el reconocimiento recibido por su papel en la promoción de la gastronomía de la entidad.

“Este proyecto refleja el compromiso del Gobierno de Nuevo León y el sector privado por fortalecer nuestra oferta turística y consolidar nuestra cocina como un motor de desarrollo económico y cultural”.

“Seguiremos trabajando para que la gastronomía de Nuevo León sea un orgullo que inspire y conecte a quienes nos visitan”, señaló la funcionaria.

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Aliados estratégicos

Martínez Villarreal reconoció a los primeros aliados estratégicos de la iniciativa.

“Agradezco a nuestros primeros aliados estratégicos: Aeropuerto Internacional de Monterrey, Hotel Ancira en Monterrey, Hotel Presidente Intercontinental que abrirá sus puertas en enero en San Pedro, Hotel Safi, Xhant en García, La Posada en Potrero Chico, así como a icónicos lugares como el Parque Fundidora, por sumarse a esta iniciativa”, añadió la funcionaria.

Guía gastronómica de Nuevo León

La guía es presentada con el respaldo de Sigma Foodservice, Banco Afirme y Duemex Foods, quienes se sumaron a esta colaboración entre el Gobierno del Estado y Como Comí, reafirmando la importancia de la unión entre los sectores público y privado para impulsar el turismo gastronómico.

El evento concluyó con una cena especial que ofreció a los asistentes una muestra representativa de los sabores únicos que posicionan a Nuevo León como una potencia culinaria.

Krampus: La Tradición Oscura de la Navidad

El 5 de diciembre se celebra la Krampusnacht (Noche de Krampus), en la que hombres disfrazados con máscaras aterradoras y trajes de piel recorren las calles para asustar y entretener al público.

Cuando pensamos en la Navidad, las imágenes de Santa Claus y villancicos llenan nuestra mente. Sin embargo, en Europa Central, una figura oscura y aterradora también tiene un lugar destacado en las celebraciones navideñas: Krampus.

Este personaje, mitad cabra y mitad demonio, forma parte de una antigua tradición que añade un contraste siniestro a la temporada festiva.

Orígenes de Krampus

Krampus tiene raíces en el folclore pagano de los Alpes europeos, particularmente en Austria, Alemania y Hungría.

Su nombre deriva de la palabra alemana krampen, que significa “garra”. Se cree que su figura está vinculada con antiguos rituales precristianos dedicados a dioses de la naturaleza y el inframundo.

Con la llegada del cristianismo, Krampus se integró a las festividades de San Nicolás, adoptando un papel opuesto al del santo generoso y benevolente.

La Dualidad de San Nicolás y Krampus

En el folclore de los Alpes, San Nicolás es el portador de regalos para los niños buenos, mientras que Krampus se encarga de castigar a los niños desobedientes.

Equipado con cadenas, campanas y una vara de abedul, Krampus amenaza con azotar a los niños traviesos o incluso llevarlos consigo en un saco.

Esta dualidad sirve como una lección moral para los más pequeños, reforzando la importancia del buen comportamiento durante todo el año.

Krampusnacht: Una Noche de Terror Festivo

El 5 de diciembre se celebra la Krampusnacht (Noche de Krampus), en la que hombres disfrazados con máscaras aterradoras y trajes de piel recorren las calles para asustar y entretener al público.

Este evento es particularmente popular en Austria y Baviera, donde desfiles conocidos como Krampusläufe (carreras de Krampus) reúnen a miles de personas.

Aunque espeluznante, esta tradición se considera una celebración alegre y cultural.

La Cultura Popular

En las últimas décadas, Krampus ha ganado popularidad fuera de Europa gracias al cine, la literatura y las redes sociales.

Películas como Krampus (2015) han llevado su figura a un público global, mientras que la iconografía del personaje aparece en tarjetas de felicitación vintage y artículos decorativos navideños.

Su presencia internacional refleja un interés creciente por las tradiciones navideñas menos convencionales.

Significado Cultural

Más allá de su aspecto aterrador, Krampus simboliza el equilibrio entre lo bueno y lo malo, lo alegre y lo sombrío.

Es un recordatorio de que la Navidad, al igual que cualquier otra festividad, tiene matices culturales y significados profundos que trascienden las imágenes comerciales habituales.

Krampus sigue siendo una tradición viva y dinámica que conecta a las comunidades con su historia y folclore.

Si alguna vez tienes la oportunidad de asistir a una Krampusnacht, no pierdas la oportunidad de vivir esta experiencia única.

Para más información sobre esta fascinante figura, puedes explorar el sitio National Geographic o visitar páginas dedicadas a las tradiciones alpinas

¿Cuánto gana un artista?: los ingresos de los profesionales del arte se derrumban

Los artistas también han resentido los estragos económicos y la precariedad salarial en todo el mundo, por lo que vivir del arte se ha vuelto una tarea que, si ya era compleja, hoy lo es aún más.

Esto porque los ingresos se han derrumbado durante la última década, de acuerdo con un análisis realizado por la Universidad de Glasgow, titulado: ‘UK Visual Artists’ Earnings and Contracts Report 2024.

Este estudio encontró que los artistas del Reino Unido, en 2010, tenían en promedio un ingreso mensual de 25 mil dólares, sin embargo, para 2024 el ingreso promedio es de 15 mil 600 dólares, lo que representó una 40 por ciento menos en comparación con hace 14 años.

Mujeres artistas pierden más

Para las mujeres que se dedican al arte, el estudió señala que estas perciben un 40 por menos que sus colegas masculinos. Lo que incrementa aún más la brecha de género en el arte.

Además, las y los artistas se enfrentan a situaciones de precariedad laboral que los llevan a percibir ingresos incluso menores al promedio, en Reino Unido, según el estudio, éste es de 29 mil 800 dólares.

“La mayoría de los artistas visuales son autónomos (trabajan por su cuenta) y, a pesar de ser esenciales para el sector de las artes visuales del Reino Unido, se encuentran entre los trabajadores con ingresos más bajos en las industrias creativas”, señaló Christian Zimmermann, CEO de Design & Artists Copyright Society (DACS), la organización que solicitó el estudio.

Ingresos inestables

Por si fuera poco, más del 80 por ciento de los artistas señalan que estos ingresos son inestables o irregulares, agregó Zimmermann.

“Los bajos salarios y la precariedad generalizada que enfrentan los artistas hoy en día expulsan el talento del sector y limitan la creatividad de nuestros artistas”.

Plantean alternativas

El estudio derivó en una serie de propuestas que la organización hizo a las autoridades del Reino Unido, para generar mejores condiciones salarias y de seguridad social para los artistas.

“Este informe nos muestra en términos inequívocos que los artistas visuales necesitan mayor apoyo y protección para afrontar los desafíos de un mundo cambiante, ya sea que la IA generativa destruya su trabajo, la inestabilidad de los ingresos o los crecientes costos de los alquileres de los estudios“, indica la propuesta de DACS.

Cuánto gana un artista en México

La realidad para los artistas mexicanos es aún más compleja, debido al salario bajo que en promedio perciben.

Aunque, esto puede variar de acuerdo al tipo de disciplina a la que se dediquen y la trayectoria profesional.

Sin embargo, la plataforma de búsqueda de empleo online, Talent.com, ubica el salario promedio de los artistas mexicanos en 7 mil pesos mensuales.

“El salario artista promedio en México es de $ 84,000 al año o $ 43.08 por hora. Los cargos de nivel inicial comienzan con un ingreso de $ 49,158 al año, mientras que profesionales más experimentados perciben hasta $ 212,400 al año”, explica.

San Pedro renueva la imagen de San Pedro de Pinta y Mercado de la Fregonería

El alcalde Mauricio Fernández Garza fue el encargado de presentar la nueva identidad visual, basada en los colores y motivos florales característicos de las obras de Canales.

El municipio de San Pedro Garza García, reconocido por su vibrante oferta cultural, ha dado un paso más hacia la revitalización de sus iniciativas culturales con la renovación de la imagen de San Pedro de Pinta y el Mercado de la Fregonería.

Este proyecto busca rendir homenaje al artista sampetrino Enrique Canales, quien conceptualizó el término “fregonería” como un emblema de creatividad y excelencia.

Un tributo al legado de Enrique Canales

El alcalde Mauricio Fernández Garza fue el encargado de presentar la nueva identidad visual, basada en los colores y motivos florales característicos de las obras de Canales.

Durante el evento, destacó cómo este rediseño no solo es un homenaje al artista, sino también un impulso para apoyar los proyectos culturales de las y los ciudadanos de San Pedro.

Canales, además de ser un destacado artista, fundó el Mercado de la Fregonería en 2010, un espacio para promover el talento local.

Este mercado y San Pedro de Pinta, creado en 2011, han sido fundamentales en la regeneración del tejido social al fomentar la convivencia y la creatividad en el municipio.

Impacto en la comunidad

Fernández Garza subrayó que, en su inicio, estos proyectos surgieron como una respuesta para romper con el aislamiento social provocado por la inseguridad en la región.

“Estos proyectos ayudaron a superar el miedo y a que las personas volvieran a disfrutar de los espacios públicos. Es algo que llegó para quedarse”, comentó el alcalde.

La presentación de la renovada imagen estuvo acompañada por familiares de Enrique Canales, incluida Alicia Maldonado, su viuda, quienes agradecieron este reconocimiento al legado del artista.

Próximos eventos culturales en San Pedro

El Alcalde aprovechó la ocasión para invitar a la comunidad a los desfiles navideños que se llevarán a cabo los días 7 y 8 de diciembre.

Los desfiles se realizarán en tres ubicaciones: el Parque Clouthier (18:00 horas) y la Avenida Vasconcelos (20:00 horas) el sábado, y en la Calzada del Valle el domingo a las 19:00 horas.

San Pedro: un referente cultural

La renovación de estos proyectos refuerza a San Pedro Garza García como un modelo en la promoción de iniciativas culturales que no solo enriquecen la vida comunitaria, sino que también posicionan al municipio como un epicentro artístico en Nuevo León.

Para más información sobre estos eventos y otros proyectos culturales, visita la página oficial del Municipio de San Pedro Garza García o sus redes sociales.

INBAL organiza homenaje luctuoso a Silvia Pinal

En acuerdo con la familia, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el INBAL llevaron a cabo un homenaje luctuoso a la primera actriz en el Palacio de Bellas Artes; en Panóptico te compartimos los detalles.

Familia despide a Silvia Pinal en Bellas Artes. Crédito: INBAL.

Ciudad de México.- El Palacio de Bellas Artes fue el escenario donde se dio el último adiós a la primera actriz Silvia Pinal Hidalgo el día de hoy, sábado 30 de noviembre de 2024, con un homenaje de cuerpo presente.

Reconocida como una gran artista a nivel nacional e internacional, su familia, el público, amigos y compañeros del medio artístico la despidieron con fuertes aplausos, ovaciones y emotivos mensajes.

La secretaria de Cultura del Gobierno de México, Claudia Curiel de Icaza, afirmó:

“Es un honor rendir homenaje a una mujer que el pueblo de México recordará con orgullo y dignidad.

Aquella que construyó un puente entre la ficción y la realidad del país, cuyos personajes rompieron con los estereotipos que dominaron una época; al mostrarse insumisas, irreverentes, sensuales y desafiantes, las mujeres que Silvia Pinal reveló en las pantallas fueron testimonio vivo del parteaguas entre dos tiempos.

Abrazo con cariño a Silvia, Alejandra, Luis Enrique, a toda su familia y estoy segura que el corazón de los mexicanos está hoy con ustedes, con toda la familia Pinal”.

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Fanáticos despidiendo a Silvia Pinal. Crédito: INBAL.

Su hija Silvia Pasquel, a nombre de la familia, agradeció al público, amigos, familiares e instituciones, el hacer este homenaje a su madre y despedirla con tanto afecto en el Palacio de Bellas Artes.

“Agradezco todas las muestras de cariño; sus palabras en este momento tan doloroso son un bálsamo. Dolor, porque duele mucho perder no nada más a la diva más grande de este país, dolor que todos los que la admiran, la quieren y respetan compartimos”.

 Desde temprana hora, el público hizo fila para ingresar al palacio de mármol y despedirse de la última gran diva del cine mexicano.

Con fotografías y pancartas con mensajes de cariño y admiración, las personas rindieron homenaje al pasar frente al féretro que permaneció hasta las 13:00 h.

Hubo flores blancas, rehiletes; porras y vítores se escucharon desde la Alameda Central, mientras en el recinto sonaban canciones como Amor eterno, Alma mía y Nos volveremos a encontrar.

Para terminar, el Mariachi Real de Jalisco interpretó Las golondrinas, pieza con la que se dio el último adiós.

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